EL TELÉFONO NEGRO

¿Qué harías si te sonara el teléfono… y no tiene batería? En la película que hoy vamos a analizar, un chico secuestrado recibe llamadas de los muertos. Y no, no es el Wifi ni un problema con los datos: son las víctimas anteriores, los que no pudieron escapar.

Lo que empieza como un juego macabro se convierte en una lección brutal sobre el miedo, la infancia y la fuerza que aparece cuando todo está perdido.

Hoy te voy a contar por qué este film no solo te eriza la piel, sino que te enfrenta con algo mucho más real: el sonido del pasado que no te deja avanzar.

Así que quedate, porque cuando escuches el teléfono sonar —aunque no tengas datos ni señal—, vas a entender de qué estamos hablando…

Así con esta premisa telefónica terrorífica y sobrenatural, (ponele) El PELADO Investiga, les presento: “El Teléfono Negro”

La historia transcurre en Denver, 1978, una época en la que la crianza “sin restricciones” era casi un deporte nacional. Los chicos jugaban al béisbol, andaban en bicicleta hasta el anochecer y, de paso, aprendían a esquivar matones —porque el bullying no era un problema social: era “formativo”—.

En ese contexto crecen Finney Shaw y su inseparable hermana menor, Gwen. De día, los dos intentan sobrevivir a los brabucones del barrio y de la escuela; de noche, se refugian el uno en el otro para sobrellevar a su padre viudo y atormentado, un hombre que lidia con sus propios demonios a base de gritos, culpa, un cinturón y botellas de cerveza.

La vida de nuestro protagonista da un giro cuando uno de sus compañeros de colegio desaparece sin dejar rastro. Los rumores se expanden entre los chicos del vecindario: hay alguien secuestrando niños. Le dicen “El Secuestrador”, un tipo enmascarado que parece sacado de una pesadilla urbana.

Y claro, antes de que el peligro se convierta en mito, Finney se convierte en la siguiente víctima. Es capturado y despierta encerrado en un sótano lúgubre, sin ventanas, sin salida, con una única compañía: un teléfono negro pegado a la pared. Un teléfono que, por cierto, ni siquiera está conectado... o al menos no debería estarlo.

Desde ese punto, el terror psicológico toma forma. El joven empieza a recibir misteriosas llamadas de los niños desaparecidos antes que él. Voces del más allá que, lejos de querer asustarlo, parecen decididas a ayudarlo. Cada una le ofrece una pista, un consejo o una advertencia, como si el aparato fuera una línea directa con el pasado, o con su propio inconsciente.

El sótano se convierte entonces en un campo de pruebas emocional y físico: un espacio donde Finney deberá aprender a confiar en sí mismo, a sobreponerse al miedo y a escuchar esas voces —las de los fantasmas… y las de su propio valor—

“El Teléfono Negro” no es solo una historia de terror: es una radiografía emocional de los años 70, una época donde la infancia era casi una prueba de supervivencia. En ese contexto, los miedos no venían de lo sobrenatural, sino de lo cotidiano: los abusos, la indiferencia, la violencia doméstica y la soledad. Y en medio de todo eso, un teléfono viejo y desconectado se convierte en la línea directa entre el miedo y la esperanza.

El film de Derrickson explora el miedo como un lenguaje universal, esa emoción que no distingue edad ni época. Finney encarna al niño vulnerable que todos fuimos alguna vez: el que calla, el que aguanta, el que intenta sobrevivir en silencio. Y el teléfono —negro, pesado, de otro tiempo— funciona como símbolo de esa conexión con lo reprimido, con las voces del pasado que no se resignan a desaparecer.

Esas llamadas fantasmales no son simples trucos del guion: son manifestaciones del trauma, de lo que no se dice, pero sigue resonando. Los muertos representan los fragmentos rotos de una generación marcada por la violencia; Finney, en cambio, representa la posibilidad de romper el ciclo.

La película juega con la nostalgia de los años 70, pero no con la melosa de los filtros vintage, sino con la amarga: la de las calles polvorientas, las bicicletas oxidadas y los padres ausentes. Esa nostalgia funciona como una lupa psicológica. A través de ella, entendemos por qué los personajes actúan movidos por el miedo, la fe o la rabia.

Cada recuerdo, cada sueño de Gwen, está teñido de dolor, pero también de una búsqueda de redención. En ese sentido, el film no se limita a asustar: desnuda la psicología de una infancia rota, donde crecer es sinónimo de sobrevivir.

Derrickson mantiene una tensión constante con recursos simples pero efectivos: música inquietante, silencios prolongados y planos fijos que parecen atraparte en la misma claustrofobia del sótano.

El miedo acá no viene de lo que se ve, sino de lo que se espera ver. Es terror psicológico en estado puro, diseñado para que el espectador sienta la impotencia del protagonista, como si estuviera ahí, esperando que el teléfono suene.

Y lo más interesante es cómo, entre tanto horror, emerge el tema de la esperanza. Esa fe infantil —en Dios, en los sueños, en uno mismo— que Gwen representa, no se trata de un milagro barato, sino de un acto de resistencia emocional.

En una época donde los niños no eran escuchados, “El Teléfono Negro” plantea justamente eso: que escuchar puede salvarte.

Finney sobrevive porque escucha a los muertos, porque acepta la ayuda de quienes ya no pudieron hacerlo. Y ese es el corazón psicológico del film: la supervivencia nace del vínculo, incluso si ese vínculo viene del más allá.

Al final, la película deja una lectura más humana que sobrenatural. El monstruo con máscara no es solo un asesino: es la materialización de todos los miedos infantiles de una generación sin refugio.

Y cuando Finney logra enfrentarlo, no vence al mal con fuerza física, sino con la memoria colectiva del dolor, con las voces que le enseñaron a no rendirse.

“El Teléfono Negro” podría, en apariencia, ser otro thriller sobre el encierro y la supervivencia. Un chico secuestrado, un sótano oscuro, un villano enmascarado. Una historia que, a simple vista, hemos visto mil veces. Desde “M, el vampiro de Düsseldorf” del año 1931, hasta “Angustia de silencio” de 1972, el cine ya exploró los horrores de los asesinos de niños. Pero lo que transforma esta película en algo completamente distinto es la incorporación de los niños fantasma: esas voces del más allá que marcan, literalmente, el hilo conductor del relato.

Las llamadas telefónicas con esas voces incorpóreas tienen un tono inquietante: parecen ecos del recuerdo, pero también “mensajes urgentes” enviados desde un limbo emocional. Intentan guiar al protagonista, darle instrucciones, sostenerlo cuando el miedo lo paraliza.

El director, Scott Derrickson, convierte el sótano —ese espacio físico y psicológico— en una especie de purgatorio donde se mezclan la memoria, el trauma y la esperanza. Con imágenes perturbadoras de cuerpos flotando o sombras que se desvanecen en la oscuridad, el director le imprime al relato un terror visual que no necesita monstruos digitales: el miedo es humano, tangible, y está al alcance del auricular.

El villano, interpretado por Ethan Hawke, es una pieza aparte. Es su primer papel abiertamente malvado, y lo aborda con una extraña mezcla de contención y demencia. Casi toda su actuación ocurre detrás de una máscara que le cubre la mitad o la totalidad del rostro. Esa máscara —obra del legendario Tom Savini, creador de los efectos de “El amanecer de los muertos” (1978) y “Viernes 13” (1980)— tiene vida propia: mandíbula móvil, cuernos, expresión cambiante.

No solo oculta al asesino: lo despersonaliza, lo convierte en un símbolo del mal cotidiano, ese que puede vivir detrás de cualquier puerta suburbana.

Y entre tanto horror, emerge algo profundamente humano: el vínculo entre Finney y su hermana Gwen. Su relación es el corazón emocional del film. Se apoyan, se protegen, se leen sin palabras. En un género plagado de hermanos que se odian o se ignoran, ellos rompen el molde: su unión es la verdadera arma contra el monstruo.

La interpretación del joven Mason Thames, en el papel de Finney Shaw, es tan sutil como inquietante. Su actuación logra una autenticidad que descoloca: no parece estar “actuando”, sino viviendo el miedo, la culpa y la evolución de su personaje. Es un chico tímido, retraído, casi invisible. Y el acto lo plasma con un dominio sorprendente para su edad, mostrando el proceso de un niño que —literalmente— aprende a hablar, a pelear y a creer en sí mismo. En sus silencios se siente el peso de la represión y en sus estallidos, la liberación del trauma. Su interpretación oscila con naturalidad entre la contención y la desesperación absoluta, pasando incluso por pequeños destellos de humor que alivian el horror.

Por su parte, Madeleine McGraw, como la pequeña Gwen, entrega una actuación que desborda carisma, fuerza y vulnerabilidad. A primera vista, su personaje parece el típico cliché de la hermana respondona y malhablada, pero la joven actriz logra romper ese molde. Le imprime una ternura feroz, una fe casi inocente y una valentía que conmueve.

Ahora bien, ninguna película de terror funciona sin un villano memorable. Y aquí aparece Ethan Hawke como “El Secuestrador”, demostrando que la maldad también puede tener carisma.

Acostumbrado a interpretar personajes empáticos o introspectivos, el actor se sumerge en un papel radicalmente distinto. Lo hace desde el silencio, la postura, la respiración, y, sobre todo, detrás de una máscara que oculta cualquier rasgo de humanidad.

Y como contrapunto perfecto a todo ese caos, aparece la figura del padre, el señor Shaw, interpretado con una crudeza dolorosa. Es, un hombre destruido por la pérdida de su esposa, incapaz de procesar el duelo y hundido en el alcohol. Su violencia no nace del poder, sino de la impotencia. En su hija ve el reflejo de la mujer que perdió y no soporta, y en su hijo, el recordatorio de su propio fracaso. Su personaje es una tragedia andante: un ser que intenta sostener, con golpes y gritos, lo poco que queda de su derrumbado ego.

O, como podríamos llamarlos con cariño, “El manual de supervivencia telefónica de Finney Shaw”.

Porque sí: cada niño que murió antes que él le deja una enseñanza, una pista, un pedazo de estrategia para salir del infierno. Pero más que trucos físicos, son pequeñas lecciones de crecimiento. Veamos quién le enseñó qué... y por qué importa.

Robín es el amigo, el único que alguna vez le dijo a Finney que se defendiera, incluso antes del secuestro. Desde el más allá, cumple la misma función: le enseña a pelear, confiar en su fuerza y usar el teléfono —ese símbolo del miedo— como arma de liberación. Robín representa el coraje que Finney no se animaba a sacar. Es su voz interna diciéndole: “Ya basta de correr”. Y, cuando finalmente usa el teléfono como arma mortal, no solo vence al secuestrador, también mata su propia cobardía.

Bruce, el chico atlético y popular, le enseña el hueco en el piso, la primera vía de escape. No parece gran cosa al principio, pero en el lenguaje simbólico del film, cavar el suelo es intentar abrir la tierra, romper el encierro, escarbar su propio miedo. Aunque ese plan no funciona del todo, es la primera vez que Finney actúa con determinación. Bruce le enseña el primer paso: hacer algo, aunque no salga bien.

Billy, es el niño que repartía periódicos en bicicleta. Desde el otro lado, le enseña a usar un cable. Primero, Finney lo usa para quitar la reja de la ventana, y luego para tender una trampa mortal: el cable que hace caer al secuestrador en el hueco del piso. Billy representa la astucia y la estrategia: no basta con tener fuerza, hay que pensar.

Griffin, es quien le da la combinación del candado. Es un gesto simple, pero poderoso: Griffin le da literalmente la llave de su libertad. Finney logra abrir la puerta dos veces, y aunque en la primera, el escape falla, el hecho de haberlo intentado muestra su avance. Griffin le enseña la importancia de probar, equivocarse y volver a intentarlo.

Vance, el chico problemático del barrio, el matón, el que parecía el polo opuesto de Finney, también se aparece para ayudar. Le enseña el refrigerador, donde hay carne. Esa carne luego servirá para distraer a Sansón, el perro del asesino. Suena mundano, pero no lo es. Vance representa el poder del instinto, del impulso, del enojo bien dirigido. Es la rabia transformada en herramienta, no en destrucción.

Cada “tip”, cada niño, representa un fragmento de lo que Finney necesitaba para sobrevivir: Robín le da coraje, Bruce la iniciativa, Griffin la paciencia, Billy la estrategia, y Vance la fuerza bruta y el instinto. Todos ellos, en conjunto, forman el carácter completo del Finney del final: un chico que deja de temer y empieza a actuar.

“El Teléfono Negro” está plagada de momentos que te dejan con esa mezcla incómoda entre escalofrío y melancolía, como si algo en la historia hablara más de crecer que de sobrevivir. Y entre tanta oscuridad, hay escenas que se graban a fuego en la memoria.

Todo arranca con la visión de Gwen, una de las secuencias más reveladoras. En su sueño —o más bien, pesadilla premonitoria— vemos a Vance Hopper desatando una pelea brutal dentro de una tienda. Los golpes suenan secos, la cámara tiembla, y la rabia del chico parece traspasar la pantalla. No es solo violencia gratuita: es el aviso de algo más grande, una pista que la niña decodifica mientras duerme. Ahí, el film combina lo sobrenatural con lo emocional de una manera brillante: los muertos no descansan, pero al menos intentan ayudar a los vivos… o al menos a Finney.

Después viene esa escena poética y aterradora: Gwen en bicicleta, bajo la tormenta, buscando una dirección que solo ha visto en sueños. La imagen es tan poderosa que uno casi siente el frío de la lluvia golpeando la pantalla. Y entonces ocurre: los cinco niños muertos aparecen frente a ella. No gritan, no asustan; simplemente están ahí, silenciosos, mirándola como si pidieran justicia. Es un momento profundamente simbólico, casi religioso, donde la niña entiende que su fe —esa herencia de su madre— tiene un propósito. La lluvia se vuelve una especie de bautismo antes del encuentro final.

El clímax del horror cotidiano llega cuando Max, el hermano del Secuestrador, baja al sótano convencido de que está por resolver el misterio. Encuentra a Finney tras la reja, exhausto, pero vivo. Por un segundo, el público respira. Parece que alguien finalmente lo va a salvar. Pero no. Detrás de él, silencioso, “El Secuestrador” aparece con un hacha… y lo ejecuta con una frialdad que te deja clavado al asiento. El golpe no solo rompe el cráneo de Max: rompe toda esperanza de rescate externo. De aquí en adelante, Finney está completamente solo.

Y entonces llega la pelea final, el enfrentamiento que condensa todo lo aprendido. Finney no está solo, aunque físicamente lo parezca. Cada chico muerto que habló con él a través del teléfono le dejó una lección, un truco, un pedazo del plan que ahora se vuelve su salvación.

Con la astucia de Bruce Yamada, cava el hueco en el suelo. Con la fuerza y la técnica de Robín Arellano, aprende a pelear. Con la combinación que le dio Griffin Stag, logra abrir la puerta. Billy le enseñó a usar el cable, primero para quitar la reja, luego para tender la trampa. Y Vance Hopper le mostró el refrigerador donde esconde la carne con la que distrae al perro del Secuestrador.

Todo lo aprendido se une en un solo acto: la lucha de Finney contra su captor, un chico que ya no es el mismo del principio. La escena es intensa, casi física, cargada de esa energía primitiva del miedo convertido en coraje.

El asesino cae en el hoyo —literal y simbólicamente—, enredado en su propia violencia, estrangulado por el cable que alguna vez fue instrumento de tortura y ahora es justicia poética.

Y cuando Finney levanta el auricular del teléfono para que los fantasmas le hablen por última vez, el monstruo escucha las voces de sus víctimas antes de morir. Es el cierre perfecto: los muertos encuentran descanso, y el niño, su voz.

Finney sale del sótano no solo como sobreviviente, sino como alguien que finalmente aprendió a escucharse —y a pelear por su vida—, aunque las voces que lo ayudaron vinieran del otro lado.

El final deja claramente sentado que gran parte de la película es una alegoría sobre el paso a la adultez, sobre defenderse y afrontar las amenazas del mundo. Trata, en definitiva, de cómo el joven protagonista reconcilia su infancia. Esto se evidencia en ciertas similitudes entre los dos adultos violentos de la historia —“El Secuestrador”, y su padre— y la forma en que ambos utilizan un cinturón para castigar.

El sótano simboliza la infancia de Finney: representa esa bóveda interna del que todo niño atormentado, acomplejado y solitario debe escapar metafóricamente para madurar.

Algo que la película hizo para compensar el hecho de que se descartara la posibilidad de que solo fuera Finney por supervivencia en un nivel subconsciente —lo que le permitiría tener las conversaciones telefónicas con los fantasmas— fue permitir que Gwen, su hermana menor escapara sin ninguna ayuda suya. De hecho, en la película la niña cierra su ciclo cuando la policía, encuentran los cadáveres.

Pero fue Finney por sí solo el que tomó, uno por uno, los elementos de los niños muertos y les dio un propósito para eliminar al captor y escapar él solo. Al final, tuvo la confianza en sí mismo que tanto le faltó al inicio de la cinta: en la escena final pudo hablar con la chica que le gustaba sabiendo que podía con el reto, y sin temor.

Por tanto, el tema principal de esta película es aprender a confiar en nosotros mismos y en nuestras habilidades para salir de cualquier aprieto en el que estemos, aunque (sí, admitámoslo) es muy improbable que ese aprieto sea un secuestro en un sótano. Esta misma idea aplica con Gwen, quien solo cuando confía en sus habilidades logra convencer a su padre de apoyarla.

Aunque con la niña también se transmite un mensaje claro sobre lo que implica la importancia de la fe y cómo ese sentimiento espiritual puede darle fortaleza a una persona.

Antes de cerrar este análisis, vale detenerse en un detalle que muchos espectadores tal vez pasaron por alto, pero que condensa buena parte del espíritu del film: la máscara del Secuestrador.

Su diseño evoca directamente al mítico maquillaje del clásico del cine mudo “El hombre que ríe” (1928), aquel rostro congelado en una sonrisa grotesca no solo fue una de las imágenes más perturbadoras del expresionismo alemán, sino también la inspiración directa para el diseño del mismísimo “Joker” en los cómics de “Batman”.

Así que, en cierto modo, “El Teléfono Negro” no solo rinde homenaje al terror moderno, sino también a sus raíces más antiguas: al miedo que nace del gesto humano distorsionado, de esa sonrisa que no es alegría, sino amenaza.

Mi calificación para “El Teléfono Negro” es un 8 PELADO Investiga

Y como si esto fuera poco, el villano de la historia —“El Secuestrador”— tiene un eco inquietantemente real. Su concepción se inspira en John Wayne Gacy, el infame asesino serial que en los años 60 y 70 violó, torturó y asesinó a más de treinta jóvenes y niños.

Gacy solía disfrazarse de payaso para entretener en fiestas infantiles, una ironía tan cruel que roza lo absurdo. En el primer borrador del guion de “El Teléfono Negro”, Scott Derrickson escribió precisamente a un payaso asesino, como guiño directo a ese monstruo real.

Sin embargo, Joe Hill, autor del relato original e hijo de Stephen King, fue el primero en leer ese guion y detenerlo en seco. Según contó Derrickson, Hill le dijo: “El Secuestrador no puede ser un payaso.”

Y tenía razón. El arquetipo del payaso asesino ya había sido exprimido hasta el cansancio. Fue Hill quien propuso una alternativa mucho más elegante y perturbadora: convertirlo en un mago clásico, de estilo antiguo, una figura salida de los viejos espectáculos de ilusionismo de feria.

Con esa simple decisión, el personaje pasó de ser una caricatura del horror a convertirse en un ícono inquietante, un tipo que encarna la manipulación, el engaño y el control absoluto —el verdadero truco de magia del mal.

Y así, entre llamadas desde el más allá, fantasmas con propósito y un asesino que parece salido de una pesadilla vintage, “El Teléfono Negro” nos recuerda que a veces crecer también es aprender a escuchar las voces que te advierten del peligro… incluso si vienen de otro plano.

→ Fecha Estreno: 24/06/2022

→ Título: The Black Phone

→ Duración: 102 minutos

→ País: Estados Unidos

→ Dirección: Scott Derrickson

→ Género: Terror. Thriller. Fantástico, Secuestros, Desapariciones. Sobrenatural. Años 70

→ Actores icónicos: Ethan Hawke, Mason Thames, Madeleine McGraw

El PELADO Investiga